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World Music

El término "world music" (música del mundo) es bastante amplio y abarca una vasta gama de estilos musicales que provienen de diversas culturas alrededor del mundo. En general, se refiere a la música tradicional y contemporánea que incorpora elementos étnicos, folclóricos o regionales de diferentes países y culturas. Este género musical es conocido por su diversidad y su capacidad para fusionar sonidos y estilos de diferentes partes del mundo.

La world music puede incluir una amplia variedad de estilos, como la música africana, latina, asiática, del Medio Oriente, europea y muchas más. Algunos artistas y grupos famosos en el género de la world music incluyen a Fela Kuti, Bob Marley, Youssou N'Dour, Ravi Shankar, Buena Vista Social Club, Ali Farka Touré, y muchos otros.

La world music no solo celebra la diversidad cultural, sino que también promueve la comprensión y la apreciación de las diferentes tradiciones musicales alrededor del mundo. Además, ha sido influencia para otros géneros musicales contemporáneos, como el jazz, el pop y la música electrónica, lo que ha dado lugar a interesantes fusiones y colaboraciones entre artistas de diferentes orígenes.

Artur Álvarez 

Los orígenes del Hip-Hop


El hip hop es un movimiento cultural que nació en la década de 1970 en las comunidades afroamericanas y latinoamericanas de los barrios del Bronx, en la ciudad de Nueva York. Surgió como una forma de expresión artística y resistencia social en un contexto de marginalización, pobreza y violencia urbana.

El hip hop tiene sus raíces en cuatro elementos principales: el rap, el DJing (disc-jockeying), el breakdance y el graffiti. Estos elementos se combinaron para formar una cultura única que abarcaba la música, el baile, el arte visual y la expresión verbal.

El rap, que consiste en rimar y recitar letras rítmicas sobre una base musical, se convirtió en la forma de expresión más prominente del hip hop. Los MCs (maestros de ceremonias) improvisaban o recitaban letras escritas sobre ritmos creados por los DJs utilizando platos giradiscos y mezcladoras.

Los DJs, a su vez, jugaban un papel fundamental en la creación del sonido del hip hop, seleccionando y mezclando fragmentos de música para crear nuevas composiciones conocidas como "breakbeats". Estos "breaks" eran partes instrumentales de canciones de funk y soul que se repetían y extendían para crear un ritmo continuo sobre el cual los MCs podían improvisar.

El breakdance, también conocido como b-boying o b-girling, surgió como una forma de baile improvisado que se desarrollaba en torno a los "breaks" de las canciones. Los bailarines realizaban movimientos acrobáticos y estilizados, como giros en el suelo, movimientos de cabeza y freezes, que reflejaban la energía y la creatividad del movimiento.

El graffiti, por su parte, se convirtió en una forma de arte callejero utilizada por los artistas urbanos para expresar sus ideas y sentimientos en espacios públicos. Los graffiteros pintaban murales coloridos y elaborados en paredes, trenes y otros lugares urbanos, utilizando letras estilizadas y símbolos que se convirtieron en parte integral de la estética del hip hop.

El hip hop no solo era una forma de expresión artística, sino también una forma de resistencia social y cultural. Surgió en un momento de gran agitación social en los barrios urbanos de Estados Unidos, marcado por la discriminación racial, la pobreza y la violencia policial. A través de la música, el baile y el arte, las comunidades afroamericanas y latinoamericanas encontraron una voz para expresar sus experiencias y luchar por el cambio social.

Desde sus humildes comienzos en los barrios del Bronx, el hip hop ha crecido hasta convertirse en un fenómeno global que ha influido en la música, la moda, el arte y la cultura popular en todo el mundo. A lo largo de los años, ha evolucionado y diversificado, pero sigue siendo una poderosa forma de expresión para las comunidades marginadas y una fuerza para el cambio social y cultural.

Artur Álvarez 

DISCOS IMPRESCINDIBLES: Aqualung (Jethro Tull). Un viaje a través del rock progresivo

Aqualung, el cuarto álbum de Jethro Tull, navega por las aguas del rock progresivo en 1971, marcando un hito en su trayectoria y convirtiéndose en una obra maestra aclamada por la crítica. Con diez canciones a bordo, este disco explora una rica diversidad musical, fusionando rock, folk, blues, jazz e incluso música clásica. La flauta virtuosa de Ian Anderson, líder de la banda, toma el timón, acompañada por potentes guitarras, un bajo sólido y una batería contundente.

Las letras, escritas por el propio Anderson, navegan por la profundidad y la poesía, abordando temas como la religión, la pobreza, la mendicidad, la naturaleza y la condición humana. La canción homónima, "Aqualung", narra la historia de un vagabundo sin hogar, marginado por la sociedad y luchando por sobrevivir. "My God" emerge como una poderosa pieza de rock que explora la fe y la duda religiosa, mientras que "Locomotive Breath" acelera el ritmo con un tema inspirado en los trenes de vapor. "Cross-Eyed Mary" nos conmueve con una balada folk sobre una mujer solitaria y desamparada, y "Up to Me" nos invita a reflexionar sobre la libertad y la responsabilidad individual.

Aqualung no solo conquistó el éxito comercial y de crítica, sino que consolidó a Jethro Tull como una de las bandas más importantes del rock progresivo. Su influencia se ha extendido a través del tiempo, inspirando versiones por numerosos artistas y manteniendo su lugar como referencia obligada para los amantes del género. En 2017, la revista Rolling Stone lo incluyó en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

Más allá de la música, la icónica portada diseñada por Storm Thorgerson, que representa a un vagabundo harapiento con una mirada penetrante, se ha convertido en un símbolo inseparable del álbum. Aqualung ha servido como fuente de inspiración para diversas obras de arte, incluyendo libros, películas y obras de teatro.

En definitiva, Aqualung es un álbum fundamental en la historia del rock progresivo, una obra maestra atemporal que continúa cautivando a las audiencias con su música profunda y sus letras poéticas.

Artur Álvarez 

Cara A – Aqualung
N.ºTítulo

1.«Aqualung»6:34
2.«Cross-Eyed Mary»4:06
3.«Cheap Day Return»1:21
4.«Mother Goose»3:51
5.«Wond'ring Aloud»1:53
6.«Up to Me»3:15
Cara B – My God
N.ºTítulo

7.«My God»7:08
8.«Hymn 43»3:14
9.«Slipstream»1:13
10.«Locomotive Breath»4:23
11.«Wind-Up»6:01

 

El blues del S. XXI

En este nuevo amanecer del siglo XXI, el blues se yergue una vez más, resonando con la fuerza del tiempo y la profundidad del alma humana.
En este escenario, donde la tecnología se funde con la tradición, donde las redes sociales se entrelazan con las antiguas historias de dolor y esperanza, el blues encuentra su voz renovada. Ya no se limita a las esquinas polvorientas de los clubes nocturnos, sino que se expande por las vastas llanuras digitales, alcanzando oídos y corazones en todos los rincones del globo.
Gary Clark Jr., Fantastic Negrito, Alabama Shakes, Ana Popovic, son solo algunos de los nombres que tejen esta nueva narrativa, fusionando las notas añejas con los ritmos contemporáneos, creando una sinfonía que habla tanto del presente como del pasado.
Es un blues que abraza la diversidad cultural, que se alza contra las injusticias del mundo moderno, que encuentra su voz en la discordia y su consuelo en la comunión de los espíritus afines.
En este siglo XXI, el blues persiste como un faro de autenticidad en un mar de superficialidad, recordándonos que, aunque el mundo cambie, las emociones humanas siguen siendo las mismas: el amor, el dolor, la esperanza, la desesperación, todas ellas resonando en cada acorde y cada lamento. Es en esta unión de lo antiguo y lo nuevo, de lo profundo y lo superficial, donde el blues encuentra su hogar, tejiendo una tela que conecta generaciones, culturas y experiencias en un tapiz de sonidos eternos.


Aquí tienes una lista de 40 representantes importantes del blues del siglo XXI, cada uno contribuyendo de manera significativa a la evolución y diversidad del género:


Gary Clark Jr., Fantastic Negrito, Alabama Shakes, Ana Popovic, Joe Bonamassa, Beth Hart, Susan Tedeschi (Tedeschi Trucks Band), Derek Trucks (Tedeschi Trucks Band), Keb' Mo', Robert Cray, Shemekia Copeland, Christone "Kingfish" Ingram, Samantha Fish, Eric Gales, Jonny Lang, Doyle Bramhall II, Marcus King, Taj Mahal, Ruthie Foster, Bonnie Raitt, Ben Harper, Rhiannon Giddens, Walter Trout, Sonny Landreth, Tedeschi, Trucks Band, North Mississippi Allstars, Jimmie Vaughan, Eric Bibb, Janiva Magness, Indigenous, John Primer, Charlie Musselwhite, Elvin Bishop, Marcia Ball, John Nemeth, Robert Randolph & The Family Band, Ruthie Foster, Larkin Poe, Tasha Taylor, Southern Avenue.

Artur Álvarez

DISCOS IMPRESCINDIBLES: "Transformer", el legado de Lou Reed

 
"Transformer" es el segundo álbum en solitario del influyente músico estadounidense Lou Reed, lanzado en 1972. Ampliamente aclamado como uno de sus trabajos más destacados, este álbum marcó un punto de inflexión significativo en la dirección musical de Reed.

Producido por la icónica dupla de David Bowie y Mick Ronson, "Transformer" destacó por su sonido distintivo y su éxito comercial. Reed, luego de su paso por The Velvet Underground y su álbum debut en solitario, se aventuró hacia el glam rock con este lanzamiento. La influencia de Bowie y Ronson en la producción, así como sus contribuciones en arreglos y coros, añadieron un brillo único al álbum.
El sencillo principal del álbum, "Walk on the Wild Side", se convirtió en un himno para la comunidad LGBTQ+ y sigue siendo una de las canciones más emblemáticas de Reed. Además, "Transformer" incluye otros éxitos destacados como "Perfect Day", "Vicious" y "Satellite of Love".
La mezcla de rock, glam y pop junto con letras distintivas que exploran temas como la vida urbana, la sexualidad y la búsqueda de identidad, contribuyeron a la atemporalidad y la relevancia continua de "Transformer". Participaron en la grabación una gama de talentosos músicos, incluyendo a Herbie Flowers, John Halsey, Ronnie Ross, The Thunder Thighs, Barry DeSouza, Ritchie Dharma y Klaus Voormann.
En resumen, "Transformer" es un hito en la carrera de Lou Reed, destacando tanto por su impacto cultural como por sus logros artísticos, y continúa siendo venerado por su influencia perdurable en la música popular.

Artur Álvarez

Lista de temas de este influyente álbum:

Lado Uno:

“Vicious” – 2:58
“Andy’s Chest” – 3:20
“Perfect Day” – 3:46
“Hangin’ 'Round” – 3:35
“Walk on the Wild Side” – 4:15

Lado Dos:

“Make Up” – 3:00
“Satellite of Love” – 3:42
“Wagon Wheel” – 3:19
“New York Telephone Conversation” – 1:33
“I’m So Free” – 3:09
“Goodnight Ladies” – 4:21

LA ORQUESTA SINFÓNICA

 

Una orquesta sinfónica es un conjunto musical compuesto por una variedad de instrumentos de cuerda, viento y percusión, organizados y dirigidos por un director de orquesta. Es una de las agrupaciones musicales más grandes y versátiles, capaz de interpretar una amplia gama de estilos y géneros musicales, desde obras clásicas hasta bandas sonoras de películas, pasando por música contemporánea y tradicional de diversas culturas. Una orquesta típica incluye secciones de cuerda, viento madera, viento metal y percusión, con la posibilidad de añadir instrumentos adicionales según la composición que se esté interpretando. El director de orquesta lidera la interpretación, dando indicaciones a los músicos sobre la ejecución, el tempo y la expresión. Las orquestas sinfónicas ofrecen conciertos en vivo en diversas salas y también pueden realizar grabaciones en estudio. Además, muchas orquestas están comprometidas con la educación musical y comunitaria, ofreciendo programas educativos, conciertos para niños y actividades de participación comunitaria para fomentar la apreciación y el entendimiento de la música clásica y orquestal.

Artur Álvarez

Dylan, el Judas (Anécdota)

La anécdota de "Dylan, el Judas" es una referencia a un episodio histórico que ocurrió en el Festival de Newport de 1965. Este festival de música folk era conocido por ser un evento icónico en la escena musical estadounidense, y Bob Dylan, uno de los músicos más influyentes de la época, fue uno de los artistas destacados.

En este festival, Dylan, que hasta entonces había sido conocido principalmente como un cantautor folk, decidió cambiar su estilo musical hacia el rock. Durante su presentación, acompañado por la banda de rock eléctrico The Paul Butterfield Blues Band, se encontró con una reacción mixta de la audiencia. Algunos fanáticos del folk, que estaban más acostumbrados a su estilo acústico, lo abuchearon y lo consideraron una traición a la música folk, mientras que otros lo recibieron con entusiasmo.

La referencia a "Dylan, el Judas" proviene de uno de los momentos más emblemáticos de este concierto. Después de tocar algunas canciones eléctricas, un miembro del público, molesto por el cambio de estilo de Dylan, gritó "¡Judas!" desde la multitud, comparando su traición a la música folk con la traición de Judas Iscariote a Jesús en la Biblia. En respuesta a este grito, Dylan se dirigió a su banda y les ordenó que tocaran "Like a Rolling Stone", una de sus canciones más famosas, con aún más intensidad.

La anécdota de "Dylan, el Judas" se ha convertido en un momento histórico y simbólico en la carrera de Bob Dylan, marcando su transición de la música folk al rock y la reacción polarizada que generó entre sus seguidores y la crítica. Es considerado uno de los momentos clave en la historia de la música popular.

Artur Álvarez

Bob Dylan: El viaje musical y literario de Blonde on Blonde

Blonde on Blonde es el séptimo álbum de estudio del músico estadounidense Bob Dylan, publicado por Columbia Records en mayo de 1966. Este álbum es considerado uno de los mejores álbumes de rock de todos los tiempos. Permíteme sumergirte en su historia y su impacto:
Grabación y Músicos: Las sesiones de grabación comenzaron en Nueva York en 1965, con un elevado número de músicos, incluyendo miembros de la banda The Hawks, que más tarde se convertiría en The Band. Sin embargo, las sesiones en Nueva York no fueron tan fructíferas como se esperaba. Por sugerencia del productor Bob Johnston, Dylan se trasladó a los CBS Studios de Nashville, Tennessee, donde las sesiones fueron más exitosas. El álbum se completó en dos meses y se convirtió en uno de los primeros discos dobles en la historia de la música moderna.
Estilo y Lírica: Blonde on Blonde combina la experiencia de los músicos de sesión de Nashville con la sensibilidad literaria modernista de Dylan. Las canciones son una mezcla única entre lo visionario y lo coloquial. La lírica es poética y a menudo enigmática. El álbum incluye clásicos como “Rainy Day Women #12 & 35”, “Just Like a Woman”, y “I Want You”.
Recepción y Legado: Aunque inicialmente no fue un éxito comercial masivo, Blonde on Blonde ha resistido el paso del tiempo y se ha convertido en un icono cultural. Su influencia se extiende a través de las décadas, y su complejidad musical y lírica sigue siendo objeto de estudio y admiración.
En resumen, Blonde on Blonde es un viaje musical y literario que captura la esencia de Bob Dylan en su mejor momento.

Artur Álvarez

Lista de canciones
Todas las canciones escritas y compuestas por Bob Dylan.

Cara A
«Rainy Day Women #12 & 35» 4:36
«Pledging My Time» 3:45
«Visions of Johanna» 7:30
«One of Us Must Know (Sooner or Later)» 4:56
Cara B
«I Want You» 3:09
«Stuck Inside of Mobile with the Memphis Blues Again» 7:06
«Leopard-Skin Pill-Box Hat» 3:52
«Just Like a Woman» 4:42
Cara C
«Most Likely You Go Your Way (And I'll Go Mine)» 3:24
«Temporary Like Achilles» 4:51
«Absolutely Sweet Marie» 4:48
«4th Time Around» 4:29
«Obviously 5 Believers» 3:32
Cara D
«Sad Eyed Lady of the Lowlands» 11:43


Carlos Santana en Woodstock 1969 (Anécdota).

En el mítico Festival de Woodstock de 1969, una actuación sorprendió a propios y extraños. Carlos Santana, con su banda, subió al escenario en medio del tumulto y la efervescencia del momento. Lo curioso de aquella jornada es que dicen, cuentan, comentan... que el virtuoso guitarrista se encontraba bajo los efectos del ácido lisérgico, una realidad que añadió un matiz inesperado a su actuación.

Contrario a lo que podría pensarse, Santana y su banda lograron cautivar a la multitud con una mezcla exquisita de rock, blues y ritmos latinos. Aunque las percepciones podían estar distorsionadas, la energía y la pasión de la música de Santana trascendieron cualquier barrera mental, creando una experiencia colectiva trascendental.

Temas como "Soul Sacrifice" resonaron en los corazones de los presentes, elevando la atmósfera del festival a un estado de comunión y éxtasis compartido. La actuación de Santana en Woodstock no solo se convirtió en un momento icónico del rock, sino que también demostró la capacidad del arte para unir a las personas y trascender las limitaciones de la mente humana. En medio del caos y la algarabía, la música de Santana resonó como un llamado a la paz, la libertad y la expresión auténtica del espíritu humano.

Artur Álvarez

DISCOS IMPRESCINDIBLES: Purple Rain (Prince). Un hito musical

Purple Rain, el sexto álbum de estudio de Prince y banda sonora de la película homónima, no solo se convirtió en un éxito comercial con más de 22 millones de copias vendidas, sino que también se consolidó como una obra maestra de la música.

Considerado uno de los mejores álbumes de la historia por publicaciones como Time, VH1 y Rolling Stone, Purple Rain cosechó múltiples premios Grammy y consolidó a Prince como uno de los artistas más relevantes de la década de 1980.

Su música, una mezcla innovadora de rock, pop, funk, R&B y soul, se vio enriquecida por la colaboración de la banda The Revolution, la influencia del rock y la guitarra eléctrica como elemento protagónico. La producción experimental y psicodélica de la banda sonora le dio un toque único al álbum.

Purple Rain marcó un hito en la historia de las bandas sonoras al permanecer 24 semanas en el número 1 del Billboard 200. Sus cinco sencillos, incluyendo "When Doves Cry", "Let's Go Crazy" y la canción homónima, se convirtieron en éxitos internacionales.

Grabado en vivo en el club First Avenue de Minneapolis, el álbum contó con la colaboración de artistas como Wendy Melvoin y Lisa Coleman. "Take Me with U", originalmente grabada por Apollonia 6, y la controvertida "Darling Nikki" por su letra explícita, son algunos de los temas más memorables del disco.

En definitiva, Purple Rain es un álbum legendario que no solo marcó un antes y un después en la carrera de Prince, sino que también dejó una huella imborrable en la historia de la música.

Lista de canciones

-«Let's Go Crazy» Prince 4:39
-«Take Me with U» (con Apollonia Kotero) Prince 3:54
-«The Beautiful Ones» Prince 5:13
-«Computer Blue» Prince, John L. Nelson, Lisa Coleman, 
Wendy Melvoin, Matthew Robert Fink 3:59
-«Darling Nikki» Prince 4:14
-«When Doves Cry» Prince 5:54
-«I Would Die 4 U» Prince 2:49
-«Baby I'm a Star» Prince 4:24
-«Purple Rain» Prince 8:41

Artur Álvarez

Ivor Cutler. El conductor enamorado, Buster Bloodvessel, en la película "Magical MysterY Tour" de los Beatles.

Ivor Cutler (15 de enero de 1923 – 3 de marzo de 2006), escocés, una figura excéntrica y encantadora, tejió su legado en los hilos del humor, la poesía y la música, impregnando el aire de la BBC con su singular presencia. Apareció en los éteres radiofónicos, dando vida a sus enigmáticos monólogos en el programa de John Peel, y más tarde en el de Andy Kershaw, dejando una estela de admiración a su paso.

En el efervescente 1967, el genio de Cutler encontró un nuevo escenario en la emblemática película "Magical Mystery Tour" de los Beatles, donde su presencia como Buster Bloodvessel, el conductor enamorado, le aseguró un lugar en la memoria colectiva.

Con Phyllis King como su musa etérea, Cutler llenó de vida y fantasía cada rincón, compartiendo sus inusuales reflexiones a través de sus composiciones y diálogos. Juntos, desplegaron su arte en la serie radiofónica "King Cutler", fusionando poesía y prosa en una danza encantadora para los oídos.

Más allá de sus letras y acordes, Cutler era un espíritu rebelde, vestido con la extravagancia de sus pantalones capri y sombreros adornados con chapas. Se desplazaba en bicicleta, esparciendo por el mundo sus "Cutlerismos", pequeñas píldoras de sabiduría envueltas en absurdo.

En sus conversaciones monológicas, imbuidas de su estilo infantil y su renuncia al intelecto, Cutler exploraba la esencia misma de la existencia. Desde la pobreza de su infancia hasta la serenidad de sus últimos días, encontraba belleza en los pequeños placeres de la vida, en la naturaleza y en el amor, tejiendo un tapiz de gratitud y alegría.

A través de su acento escocés sereno y sus historias surrealistas, Cutler se convirtió en un ícono de culto, un faro de luz en el vasto océano del arte. Y aunque su tiempo en este mundo llegó a su fin en el 2006, su legado perdura, en cada palabra susurrada y en cada nota tocada, recordándonos la magia de la creatividad y la irreverencia de la imaginación.

Artur Álvarez

DISCOS IMPRESCINDIBLES: "Songs in the Key of Life". La Esencia de Stevie Wonder

Songs in the Key of Life, nacido en 1976 tras dos años de gestación, es el decimoctavo álbum de Stevie Wonder. Un doble disco que desafía las etiquetas con una mezcla vibrante de soul, funk, jazz y pop.

 

Más que un álbum, es una experiencia. Un viaje a través de 21 canciones que exploran el amor, la fe, la justicia social y la vida misma. Desde la energía contagiosa de "Sir Duke" hasta la ternura de "Isn't She Lovely", cada tema deja una huella imborrable.

 

No es de extrañar que Songs in the Key of Life cosechara un éxito rotundo. Ganó el Grammy al Álbum del año y consagró a Stevie Wonder como un artista excepcional.

 

Más de cuatro décadas después, este álbum sigue resonando con tanta fuerza como el primer día. Su mensaje universal de esperanza y amor es un faro en un mundo cada vez más complejo.

 

Si buscas una obra maestra que te haga bailar, pensar y sentir, Songs in the Key of Life es una visita obligada. Un clásico atemporal que te atrapará en su red de melodías y emociones.

 

Canciones

 

Disco uno

 

    "Love's in Need of Love Today" (Wonder) – 7:05

    "Have a Talk with God" (Hardaway/Wonder) – 2:42

    "Village Ghetto Land" (Byrd/Wonder) – 3:25

    "Contusion" (Wonder) – 3:45

    "Sir Duke" (Wonder) – 3:54

    "I Wish" (Wonder) – 4:12

    "Knocks Me Off My Feet" (Wonder) – 3:36

    "Pastime Paradise" (Wonder) – 3:27

    "Summer Soft" (Wonder) – 4:14

    "Ordinary Pain" (Wonder) – 6:23

 

Disco dos

 

    "Isn't She Lovely" (Wonder) – 6:34

    "Joy Inside My Tears" (Wonder) – 6:29

    "Black Man" (Byrd/Wonder) – 8:29

    "Ngiculela - Es Una Historia - I Am Singing" (Wonder) – 3:48

    "If It's Magic" (Wonder) – 3:12

    "As" (Wonder) – 7:08

    "Another Star" (Wonder) – 8:28

 

A Something's Extra Bonus

 

    "Saturn" (Sembello/Wonder) – 4:53

    "Ebony Eyes" (Wonder) – 4:08

    "All Day Sucker" (Wonder) – 5:05

    "Easy Goin' Evening (My Mama's Call)" (Wonder) – 3:56

 

Artur Álvarez

La flauta travesera

La flauta travesera, un instrumento de viento con una larga historia y un sonido dulce y melodioso, se clasifica como de viento-madera a pesar de fabricarse hoy en día en metal. Compuesta por tres partes: cabeza, cuerpo y pie, produce un sonido capaz de gran agilidad y expresividad en diferentes tonalidades, siendo la más común la de Do.

Su origen se remonta a la prehistoria, evolucionando a lo largo del tiempo en diseño y materiales. Se toca soplando en el bisel de la cabeza y utilizando los dedos para cubrir los orificios y producir las notas, controlando la articulación con la lengua y la presión del aire.

La flauta travesera posee un repertorio amplísimo y diverso, desde el período medieval hasta la actualidad, incluyendo música clásica, jazz, folk, celta, latinoamericana, etc. Se emplea como instrumento solista y también forma parte de orquestas y bandas.

Para aprender a tocarla, se recomienda tomar clases con un profesor para adquirir la técnica correcta. Existen flautas de diferentes tamaños y materiales para adaptarse a cada estudiante, siendo fundamental la práctica regular para dominar el instrumento y desarrollar la técnica y la musicalidad.

En internet se encuentran numerosos recursos como libros, sitios web y asociaciones de flautistas que ofrecen información, partituras, tutoriales, consejos, eventos, concursos y becas.

En definitiva, la flauta travesera es un instrumento versátil y popular con un gran potencial musical.

Artur Álvarez

DISCOS IMPRESCINDIBLES: "Bridge Over Troubled Water", un himno a la esperanza que marcó el final de Simon & Garfunkel


"Bridge Over Troubled Water", el quinto y último álbum de estudio de Simon & Garfunkel, lanzado en enero de 1970, es mucho más que solo una colección de canciones. Es una obra maestra que refleja la complejidad y evolución de su dúo, capturando un momento significativo en la historia de la música popular.

Si bien el álbum fue un éxito comercial rotundo, vendiendo millones de copias y encabezando las listas de éxitos en todo el mundo, su verdadero legado reside en su profundidad artística y emocional.

El disco marca el final del dúo Simon & Garfunkel, reflejando las tensiones creativas que habían ido creciendo entre Paul Simon y Art Garfunkel. Sin embargo, estas tensiones se traducen en una obra conmovedora y honesta, donde las voces de cada uno se entrelazan de manera magistral.

Si bien la canción principal "Bridge Over Troubled Water" es sin duda la más conocida y amada del álbum, el resto del disco brilla por sí solo. Canciones como "El Condor Pasa", "The Boxer", "Only Living Boy in New York" y "Cecilia" se han convertido en clásicos atemporales, cada una con su propia historia y mensaje.

El álbum fue innovador en su momento, fusionando elementos de folk, rock, gospel y pop, creando un sonido único y distintivo. Las letras de Simon son introspectivas, filosóficas y poéticas, explorando temas como el amor, la pérdida, la soledad y la búsqueda de sentido.

Algunas consideraciones:

  • El contexto histórico del álbum, marcado por la Guerra de Vietnam y el auge de los movimientos sociales, influyó en el tono y contenido del mismo.
  • La producción del disco fue meticulosa, con arreglos complejos y una atención al detalle que contribuyó a su calidad sonora.
  • El legado del álbum es innegable, inspirando a innumerables artistas y convirtiéndose en un punto de referencia en la historia de la música popular.

Lista de canciones

1. Bridge over Troubled Water (4:52)
2. El Cóndor Pasa (If I Could) (3:06)
3. Cecilia (2:55)
4. Keep the Customer Satisfied (2:33)
5. So Long, Frank Lloyd Wright (3:41)
6. The Boxer (5:08)
7. Baby Driver' (3:15)
8. The Only Living Boy in New York (3:57)
9. Why Don't You Write Me (2:45)
10. Bye Bye Love (2:55)
11. Song for the Asking (1:39)

Artur Álvarez

La leyenda en torno a Robert Johnson

La leyenda dice que Robert Johnson vendió su alma al diablo en el cruce de carreteras de Clarksdale, Misisipi, a cambio de convertirse en el mejor guitarrista del mundo.

Desde muy joven, quienes tuvieron trato con él lo describieron como una persona  huidiza y sin amigos.  


En 1919, con 18 años, se casó con Virginia Travis, que desgraciadamente murió al año siguiente mientras paría. 

En su época más desgraciada, los músicos que lo conocieron lo definían como un pésimo músico, carente de talento. Parece ser que desapareció por un tiempo y volvió transformado en un virtuoso maestro de la guitarra. Realmente había aprendido a tocar, cantar y componer de manera magistral, convirtiéndose en el mejor bluesmen de todos los tiempos.

Murió el 16 de agosto de 1938, a los 27 años, en un cruce de caminos, cerca de Greenwood (Misisipi).  Se cree que fue envenenado. Alguien puso estricnina en el whisky de Robert.


Existen varias tumbas, pero carecen de autenticidad. Al parecer, se intuye que el guitarrista fue enterrado bajo un árbol, sin lápida ni cruz, junto a un cruce de caminos.

El cruce de las carreteras 61 y 49 en Clarksdale (Misisipi), donde se supone que el diablo afinó la guitarra de Johnson, se ha convertido en lugar de peregrinación.



Artur Álvarez


DISCOS IMPRESCINDIBLES: La Profunda Odisea Emocional de 'The Wall' de Pink Floyd"


"The Wall" de Pink Floyd, lanzado en 1979, es un opus magnum del rock que fusiona elementos musicales progresivos con una narrativa conceptual profunda. La obra cuenta la historia de Pink, un personaje ficticio que representa las luchas personales y las experiencias de alienación de los miembros de la banda, especialmente Roger Waters.

El álbum explora temas universales como la alienación, la fama, la guerra y la pérdida a través de la vida de Pink, desde su infancia hasta su colapso emocional y aislamiento. Las canciones, desde las melodías conmovedoras hasta los pasajes de rock explosivo, crean una experiencia auditiva envolvente y emocionalmente resonante.

Canciones icónicas como "Another Brick in the Wall (Part II)", "Comfortably Numb" y "Hey You" son solo algunas de las muchas gemas musicales que componen este viaje épico. La película musical lanzada en 1982 complementa la experiencia, combinando imágenes impactantes con la música de Pink Floyd para crear una experiencia visualmente deslumbrante.

"The Wall"  es una obra de arte completa que ha dejado una marca indeleble en la historia del rock y continúa siendo una fuente de inspiración y reflexión para oyentes de todas las generaciones.

Adentrándonos en "The Wall" de Pink Floyd:

El Muro, esa imponente estructura, no es solo una barrera física, sino un símbolo poderoso que encapsula el aislamiento y la desolación emocional de Pink. Es la defensa que erige para protegerse del dolor y la decepción del mundo exterior, una construcción formada por los escombros de sus experiencias más traumáticas.

Dentro de esta narrativa enrevesada, los personajes cobran vida propia. Pink, el protagonista, encarna el vacío existencial de una estrella del rock en crisis. La banda Pink Floyd, su reflejo en el mundo real, se convierte en un espejo distorsionado de las luchas internas de sus miembros.

En esta saga sonora, la música actúa como un hilo conductor que teje las emociones y los conflictos de Pink. Desde los acordes rebeldes de "Another Brick in the Wall (Part 2)" hasta la melancolía desgarradora de "Comfortably Numb", cada nota es un eco de su angustia y alienación.

A través de "The Wall", Pink Floyd despliega un tapiz sonoro que aborda temas universales como la educación autoritaria, la pérdida, la fama y la guerra. Canciones como "Hey You" y "Mother" profundizan en la psique de Pink, explorando la dualidad entre la conexión humana y la desconexión emocional.

Artur Álvarez

Listado de temas Todas las letras escritas por Roger Waters. Disco 1

Lado 1 N.º Título Escritor(es) Vocalista(s) Duración 1. «In the Flesh?» Roger Waters Waters 3:18 2. «The Thin Ice» Waters David Gilmour y Waters 2:26 3. «Another Brick in the Wall (Part I)» Waters Waters 3:12 4. «The Happiest Days of Our Lives» Waters Waters 1:50 5. «Another Brick in the Wall (Part II)» Waters Gilmour, Waters y the Islington Green School Choir 3:58 6. «Mother» Waters Gilmour y Waters 5:34

Lado 2 N.º Título Escritor(es) Vocalista(s) Duración 1. «Goodbye Blue Sky» Waters Gilmour 2:45 2. «Empty Spaces» Waters Waters 2:10 3. «Young Lust» Gilmour y Waters Gilmour 3:29 4. «One of My Turns» Waters Waters 3:35 5. «Don't Leave Me Now» Waters Waters y Gilmour 4:08 6. «Another Brick in the Wall (Part III)» Waters Waters 1:44 7. «Goodbye Cruel World» Waters Waters 0:48

Disco 2

Lado 3 N.º Título Escritor(es) Vocalista(s) Duración 1. «Hey You» Waters Gilmour y Waters 4:40 2. «Is There Anybody Out There?» Waters Waters 2:44 3. «Nobody Home» Waters Waters 3:26 4. «Vera» Waters Waters 1:35 5. «Bring the Boys Back Home» Waters Waters 1:21 6. «Comfortably Numb» Gilmour y Waters Waters y Gilmour 6:24

Lado 4 N.º Título Escritor(es) Vocalista(s) Duración 1. «The Show Must Go On» Waters Gilmour 1:36 2. «In The Flesh» Waters Waters 4:13 3. «Run Like Hell» Gilmour y Waters Waters y Gilmour 4:19 4. «Waiting for the Worms» Waters Waters y Gilmour 4:04 5. «Stop» Waters Waters 0:30 6. «The Trial» Waters y Bob Ezrin Waters 5:20 7. «Outside the Wall» Waters Waters 1:41