El alma creadora

Ser artesano artístico sin corsés ni vínculos significa abrazar la creatividad como una fuerza que se despliega con libertad.

Es innegable que toda creación requiere técnica y destreza, aspectos que son susceptibles de ser aprendidos. Un escritor talentoso, por ejemplo, pasa horas sumergido en la lectura. Cualquier forma de arte demanda, en primer lugar, el pulido de sus formas. Por ello, considero esencial que el buen artista domine la técnica que pretende desarrollar.

Pero una vez superado este aspecto básico, ¿dónde están los límites de la creatividad? ¿El creador se especializa o necesita explorar diferentes formatos para expresarse?

Existen artistas que, afortunadamente, dominan elementos formales de diversas disciplinas artísticas como la poesía, la música, el video o la pintura. Sin embargo, no se consideran especialistas en ninguna de ellas, ni mucho menos maestros de algo en particular. Para ellos, las Bellas Artes son disciplinas complementarias dentro de un mismo proceso creativo.

La creatividad no se limita a la maestría en una disciplina; es más bien un estado de ánimo que impulsa a expresar aquello que llevamos dentro de la manera más estéticamente bella posible. Y, por supuesto, disfrutar compartiéndolo. Aunque algunos artistas creen por pura necesidad terapéutica, la mayoría considera fundamental compartir lo creado como parte inherente del proceso artístico. Es un ciclo que empieza con la creación como necesidad personal, pasa por el deseo de compartir y culmina con la interpretación, valoración y crítica del público.

En este contexto, aquellos que imaginan mundos escribiendo, componiendo, pintando, entre otras actividades, encuentran su máxima satisfacción al combinar diferentes formas de expresión para transmitir un mismo contenido.

Un poema es hermoso por sí solo, pero recitado con música de fondo adquiere una nueva dimensión de belleza. Si además se acompaña de ilustraciones o videos alusivos al tema, el poema se transforma en una experiencia completa.

Por lo tanto, los creadores y creadoras de arte que necesitan explorar diversas disciplinas para expresarse representan la esencia misma de la creatividad. Estos "creautores" no pueden ser reducidos a la maestría en una sola disciplina; su enfoque es mucho más amplio. A diferencia de aquellos artistas que se limitan a una sola disciplina y tienden a alimentar su ego, los "creautores" buscan la excelencia sin límites, entendiendo que el arte busca libertad y belleza compartida, no la glorificación del ego.

Artur Álvarez

Versos equivocados (Cris Aparicio)

Me equivoqué

Me he equivocado tantas veces…

y no me equivoco hoy, al decir

que sé que me equivocaré otras tantas

tantas como versos escriba

sería un error no hacerlo

tan solo un error

Me equivoqué

y al herrar mis pasos fui la duda

la incertidumbre a caballo

entre el bien y el mal

entre el cielo y el infierno

Me equivocaba ya antes de cometer mi error

el error de amar en la certeza

el error de seguir estando viva

al galope del tiempo pasado y el porvenir

Me equivocaré si no te vivo entre mis versos

erraré si no te hago presente en el mío

Me equivocaré si no te lo digo

Y no voy a hacerlo

Acaso importa ya…

Acaso importan estos versos equivocados.

Cris Aparicio. Madrid, 1975. Gestora cultural y editorial, es fundadora y directora del Festival de Poesía Saelices Versum y del encuentro poético Maresía. Ha publicado los poemarios Azulcris, Cyan, Aqua y Cartas desde el Etna.

Versos equivocados es el nuevo poemario de Cris Aparicio. De corte intimista y cotidiano, hace hincapié en el amor y desamor como temática central,...

Falsificando el desamor

John y Carla se deshacían de la pereza con besos, caricias y promesas de amor eterno. El suave sonido de los pies descalzos de Samuel por el pasillo los alertó, y sin poder reaccionar, sintieron el afectuoso abrazo de su hijo en la cama. La cálida intimidad de los abrazos guio sus decisiones.

– Parece que el día promete - exclamó John con entusiasmo.

– Deberíamos aprovecharlo. ¿Una mañana en el Central City? 

–Suena perfecto -respondió Carla, riendo junto a Samuel.

Después de un abundante desayuno en la cocina, John cargó la batería de la cámara mientras Carla vestía y aseaba a Samuel.

El parque de Central City estaba a solo tres calles de distancia. El paseo fue agradable, con una parada en el quiosco de prensa para comprar el periódico. El césped del parque, aunque húmedo, reflejaba la frescura y luminosidad de la mañana. La presencia de otras personas llenaba de vida el paisaje dominical, con ancianos, parejas, matrimonios y niños que daban color y animación al espacio verde.

John sentía una profunda satisfacción, mirando a Carla con amor y alegría al observar la felicidad de Samuel.

De repente, la nitidez de su sueño se desvaneció, y la voz de Carla lo devolvió a la realidad.

– John -dijo Carla con voz débil y angustiada-, he dejado tus cosas en el pasillo. Espero que no hagas de tu partida un momento más traumático de lo que es. Hemos hablado de esto muchas veces y anoche decidimos cómo sería.

– Odio las despedidas -continuó Carla-, por eso estaré con Samuel en su habitación hasta que te hayas ido.

-Adiós John -resonó con dureza en la habitación.

John no pudo más que mirarla en silencio, dejando que las lágrimas recorrieran sus mejillas lentamente.

Artur Álvarez

El color en la pintura contemporánea

 

En la larga historia de la pintura europea, la disputa entre el color y el dibujo ha sido un tema recurrente. Durante siglos, el academicismo había favorecido al dibujo y la línea sobre el color, relegando a este último a un segundo plano discreto. Ni siquiera el romanticismo o el realismo habían logrado subvertir esta jerarquía establecida. Solo algunas figuras destacadas, como Goya o Turner, desafiaron esta norma al otorgar al color un papel protagónico en sus obras, lo que también se observó en parte de la pintura victoriana posterior.

Los impresionistas, por su parte, buscaban emplear los nuevos descubrimientos sobre la luz y la teoría del color en sus obras. Conscientes de la importancia de los contrastes y la disposición de colores puros en el lienzo, buscaban reproducir en la retina del espectador la mezcla de pigmentos que antes se reservaba a la paleta del pintor. Por otro lado, los simbolistas y postimpresionistas, como Gauguin y Van Gogh, utilizaron colores vivos y aplicaron gruesas pinceladas para expresar emociones de manera violenta y liberadora.

La idea de tratar el color en términos musicales, propuesta por Whistler, también cobró fuerza. Kandinsky, un sinestésico que asociaba sonidos y colores, desarrolló una teoría de la sinestesia en su obra "De lo espiritual en el arte". Por otro lado, los fauves exploraron las posibilidades del uso arbitrario del color, como se puede observar en obras como "La Desserte, harmonie en rouge" de Henri Matisse.

Sin embargo, estos usos radicales del color, especialmente en la abstracción, llegaron a escandalizar incluso a artistas como Picasso, quien llegó a cuestionar la búsqueda de la "pintura pura", sugiriendo que podría conducir a la "pura pintura", es decir, una obra de arte reducida a la materialidad del pigmento. A lo largo de la historia posterior del arte, esta predicción de Picasso ha encontrado cierta confirmación, como en el caso de Yves Klein y su identificación del propio pigmento con la obra de arte.

Artur Álvarez

El "Gernika" de Picasso y su Testimonio de Esperanza en Tiempos de Desolación

 "Gernika", la creación impresionante de Pablo Picasso, emerge como un testimonio visual de la devastación y el sufrimiento que azotan durante la Guerra Civil Española. Concebida en 1937 como respuesta al bombardeo de la ciudad vasca homónima, esta obra maestra se erige como un monumento a la tragedia y la protesta contra la violencia despiadada.

En un lienzo de dimensiones colosales, se despliega ante nosotros una escena de dolor y desesperación. Un caballo moribundo se convierte en el epicentro de la obra, su gesto angustiado y su cuerpo retorcido capturan la esencia del horror y el sufrimiento que se desencadenó en ese fatídico evento.

Con una paleta de tonos oscuros y grises, Picasso crea una atmósfera de luto y desolación. Las formas angulares y las figuras humanas deformadas añaden una sensación de caos y destrucción, mientras que los edificios en llamas en el fondo subrayan la devastación y la pérdida causadas por el ataque.

A través de una rica simbología, "Gernika" nos invita a reflexionar sobre los horrores de la guerra y la resistencia del espíritu humano. Los objetos dispersos por el suelo, como la lámpara rota y el cuchillo, evocan la violencia y el sufrimiento, mientras que los símbolos de luz y vida, como la flor emergiendo entre las grietas y la vela iluminando la escena, ofrecen un destello de esperanza en medio de la desolación.

El "Gernika" es mucho más que una simple obra pictórica: es un poderoso recordatorio de los horrores de la guerra y un llamado a la paz y la justicia. Con su impactante belleza y su profundo simbolismo, esta obra continúa inspirando a espectadores de todo el mundo a reflexionar sobre los verdaderos costos de la violencia y a abogar por un mundo más humano y compasivo.

Artur Álvarez

En seducción, necesita mejorar.

El paquete de "Fortuna" que guardaba en el bolsillo derecho de sus vaqueros parecía tener una pelea constante con los dedos sudorosos de su mano. Entre el bullicio del paseo marítimo y la espera impaciente en la parada de autobús, Georges se encontraba de pie, en un estado de nerviosismo palpable.

Para él, esta cita era especial. Hacía mucho tiempo que no sentía esas mariposas revoloteando en su estómago, y presentía que esta vez podría ser diferente. Quizás finalmente encontraría el significado vital que había estado buscando, una manera de liberarse de los sentimientos frustrados que lo habían atormentado durante tanto tiempo.

En silencio, repasaba mentalmente su estrategia para causar una buena impresión. Quería agradar y estaba dispuesto, si era necesario, a recurrir a los tópicos habituales que la gente consideraba útiles en estas situaciones.

La noche anterior había pasado horas buscando consejos de seducción en internet, deseando despertar el interés de María, conocida entre amigos como "Mara".

Diez minutos después de la hora acordada, apareció por la calle la razón de su nerviosismo y emoción. Georges levantó la mano para saludarla y se acercó al encuentro con una sonrisa nerviosa que no lograba ocultar su desbordante ansiedad.

Junto a un "Hola Mara, estás radiante", se dieron dos besos en las mejillas como saludo.

–¿Hace mucho que estás esperando? –preguntó Mara–. Las mujeres, ya sabes... siempre tardamos un poco más de lo debido en una cita."

–No te preocupes. Habría esperado eternamente si fuera necesario –respondió Georges con la voz temblorosa.

–Bueno, ¿te apetece una cena al estilo italiano? He reservado una mesa en un restaurante que me encanta cuando quiero disfrutar de un buen 'antipasto' y un vino italiano de calidad.

–¡Qué bien! –exclamó Mara–. Me encanta la comida italiana.

El trayecto hacia el restaurante fue una oportunidad para que Georges calmara sus nervios mientras le explicaba a Mara las maravillas del Restaurante La Cueva de Filipo. Ella escuchaba con interés, asintiendo con la cabeza ante sus argumentos.

Una mesa para dos. Un comienzo prometedor. Georges levantó su copa de vino, invitando a Mara a brindar por el encuentro.

Intentó que la cena transcurriera con modestia, evitando caer en el narcisismo. Georges compartió algunos detalles sobre su pasado sentimental, especialmente sobre una separación frustrante. También habló sobre su trabajo y sus intentos fallidos de encontrar una nueva pareja.

Mara lo escuchaba atentamente, observando cada gesto y palabra con detenimiento para captar los matices de la persona frente a ella.

Ella también había pasado por una separación dolorosa y no estaba dispuesta a iniciar una nueva relación sin asegurarse de que Georges cumplía con sus expectativas.

A pesar de todo, se sintió cómoda durante toda la cena y trató de crear un ambiente relajado para aliviar la ansiedad de Georges.

Cuando terminaron los postres, tomó la mano de Georges y dijo:

–Georges, ha sido un placer compartir esta cena contigo. Hacía mucho tiempo que no me sentía así.

–Yo también he disfrutado mucho de tu compañía. Has hecho que el tiempo pase volando –respondió él.

–¿He estado a la altura de tus expectativas? –preguntó Georges con inseguridad.

La respuesta no se hizo esperar. Con sinceridad, ella dijo:

–Georges, la velada ha sido muy agradable. Pero... tengo una pequeña observación que hacerte: Durante toda la cena, no me has mirado a los ojos. Y yo quiero ver lo que dice tu mirada."

Artur Álvarez

El Eco de la Ausencia

“El Eco de la Ausencia” es una metáfora visual que representa la resonancia emocional que

deja la soledad. Artísticamente, podría interpretarse como el espacio negativo que se forma

cuando algo o alguien ha sido removido de su lugar habitual, dejando tras de sí un vacío que

palpita con los recuerdos y la presencia intangible de lo que ya no está. Es un concepto que

invita a la reflexión sobre la naturaleza efímera de las conexiones y la huella perdurable que

dejan en nuestras vidas y espacios.

Artur Álvarez

Gerhard Richter (Nueva pintura europea)

 

La obra pictórica de Gerhard Richter se erige como un reflejo provocativo de la complejidad y la incertidumbre de la experiencia humana en la era contemporánea. Nacido en la convulsionada Dresde de 1932, Richter emerge como una figura emblemática del arte posmoderno, desafiando las normas establecidas y explorando nuevas fronteras de expresión artística.

Su enfoque ecléctico y su constante búsqueda de la innovación lo han llevado a explorar una variedad de medios y técnicas, desde la pintura abstracta hasta el realismo fotográfico. En su serie de "pinturas borrosas", Richter desafía la noción tradicional de la representación pictórica al crear imágenes que parecen estar inmersas en un estado de ambigüedad y desenfoque, evocando así la fugacidad y la transitoriedad de la percepción visual en el mundo contemporáneo.

Además, Richter es conocido por su serie de pinturas basadas en fotografías, en las cuales recrea imágenes fotográficas con una precisión sorprendente. Estas obras no solo cuestionan la relación entre la realidad y su representación visual, sino que también exploran temas más profundos como la memoria colectiva, la identidad y la naturaleza efímera de la vida moderna.

La obra de Gerhard Richter es un testimonio poderoso de la complejidad y la ambigüedad del mundo contemporáneo. A través de su enfoque innovador y su compromiso con la experimentación, Richter desafía al espectador a cuestionar sus propias percepciones y a explorar nuevas formas de comprender y apreciar el arte en la era posmoderna.

Artur Álvarez

El mundo como voluntad y representación (Arthur Schopenhauer)

 

"El mundo como voluntad y representación", escrito por Arthur Schopenhauer, es una obra monumental que adentra al lector en una profunda reflexión sobre la esencia misma de la existencia. Publicado en 1818, este tratado filosófico destaca por su síntesis magistral de ideas y su visión penetrante del universo.

Schopenhauer nos sumerge en la dualidad esencial de la realidad: la voluntad y la representación. Según él, la voluntad es el motor primordial que anima toda manifestación en el cosmos, una fuerza ciega e irracional que impulsa la vida en todas sus formas. Por otro lado, la representación es el medio a través del cual percibimos y comprendemos el mundo, filtrando la realidad a través de nuestros sentidos y nuestra mente.

En este análisis, Schopenhauer nos revela que es la voluntad la que nos conduce al sufrimiento y la aflicción, pues es el deseo insaciable lo que nos sumerge en la lucha constante por la satisfacción. No obstante, el filósofo también nos ofrece una vía para liberarnos del dolor a través del arte y la contemplación estética. En los momentos de apreciación artística, cuando nuestra mente se eleva por encima de los afanes terrenales, experimentamos una conexión íntima con el universo que trasciende las angustias humanas.

Artur Álvarez

El mundo de Sofía (Jostein Gaarder)

 

"El Mundo de Sofía" emerge como una obra literaria de profundo calado, donde la fusión entre la narrativa ficcional y el examen filosófico alcanza su cénit. En esta obra magistral de Jostein Gaarder, publicada en 1991, se despliega una trama que cautiva y sumerge al lector en una exploración del pensamiento humano.

Siguiendo el periplo de la joven protagonista, Sofía Amundsen, nos encontramos ante el sutil desvelamiento de su conciencia a través de una serie de misteriosas misivas que trastocan su percepción del mundo. Bajo la tutela de su enigmático mentor, Alberto Knox, Sofía emprende un viaje intelectual que la lleva a cuestionar las bases de su existencia y a enfrentarse a las inquietudes más profundas sobre la vida y su significado.

La genialidad de Gaarder reside en su habilidad para entrelazar una trama ficticia con los pilares del pensamiento filosófico occidental. Mediante el ingenioso recurso de las cartas y las enseñanzas de Alberto, el autor nos guía por un fascinante recorrido a través de la historia de la filosofía, desde los tiempos antiguos de los sabios griegos hasta las reflexiones contemporáneas de figuras como Sartre y Freud.

El estilo de Gaarder se revela en una prosa fluida y una imaginación desbordante que cautiva al lector y lo sumerge por completo en el universo creado. A través de las aventuras de Sofía y su introspección en el mundo que la rodea, se invita al lector a una reflexión profunda sobre los temas más trascendentales de la existencia humana, tales como la naturaleza de la realidad, el libre albedrío y el sentido de la vida.

"El Mundo de Sofía" no solo ofrece una introducción accesible a la historia de la filosofía, sino que también proporciona una plataforma para una reflexión personal y una exploración íntima de las preguntas fundamentales de la existencia. Es una obra maestra literaria que trasciende el tiempo y merece ser considerada como una piedra angular en la biblioteca de todo aquel que busque profundizar en el conocimiento humano.

DISCOS IMPRESCINDIBLES: Quadrophenia de The Who: Un Viaje Emocional y Musical a Través de la Identidad y la Subcultura Mod.

"Quadrophenia" de The Who es una obra maestra conceptual. Lanzado en 1973, este álbum representa la cúspide creativa de la banda y sigue siendo uno de los álbumes más influyentes en la historia del rock. La premisa conceptual de "Quadrophenia", creada por el guitarrista y principal compositor Pete Townshend, sigue la vida de Jimmy, un joven mod británico que lucha por encontrar su identidad en medio de las tensiones sociales y culturales de la década de 1960. La narrativa se desarrolla a través de las canciones, que exploran los cuatro aspectos de la personalidad de Jimmy, representados por cada miembro de la banda: el rebelde, el romántico, el cínico y el loco.

Desde el primer acorde de "The Real Me" hasta la última nota de "Love, Reign o'er Me", "Quadrophenia" es una montaña rusa emocional que lleva al oyente a través de una amplia gama de emociones. Las letras de las canciones son poéticas y evocadoras, capturando perfectamente el conflicto interno de Jimmy y la lucha por encontrar su lugar en el mundo.

Musicalmente, "Quadrophenia" es una hazaña impresionante. La banda muestra una versatilidad excepcional, pasando de potentes riffs de guitarra a delicadas baladas y arreglos orquestales complejos con facilidad. La ejecución magistral de la guitarra de Townshend, el poderoso bajo de John Entwistle, la batería enérgica de Keith Moon y la voz emotiva de Roger Daltrey se combinan para crear un sonido único y distintivo que es instantáneamente reconocible como The Who.

Pero más allá de su brillantez musical, "Quadrophenia" también es un retrato fascinante de una época y un lugar específicos. La banda captura perfectamente el espíritu de la subcultura mod de la década de 1960, así como los conflictos sociales y políticos que definieron la época. A través de la historia de Jimmy, "Quadrophenia" ofrece una mirada íntima a la vida de los jóvenes británicos de la época y sus luchas por encontrar su lugar en el mundo.

Algunos aspectos clave del álbum:

Historia y Concepto:

• Una ópera rock: Aunque no es la primera de The Who (a diferencia de Tommy), Quadrophenia presenta una narrativa lineal similar a una ópera, siguiendo a Jimmy, un joven mod en conflicto consigo mismo y su entorno.
• Cuadros fragmentados: El título hace referencia a la esquizofrenia ("schizophrenia" en inglés), reflejando la fragmentación de la personalidad de Jimmy y las distintas "facetas" que presenta, representadas por diferentes estilos musicales.

Musicalidad y Temática:

• Variedad y energía: El álbum recorre desde rock duro con himnos como "5:15" y "The Real Me" hasta momentos introspectivos con baladas como "Love Reign o'er Me" y "The Acid Queen".
• Cuestiones sociales: La historia se desarrolla en el contexto de los enfrentamientos entre mods y rockers, retratando las tensiones sociales y la búsqueda de identidad de los jóvenes de la época.
• Lucha interna: Jimmy enfrenta problemas familiares, sociales y de identidad, cuestionando su rol y lugar en el mundo.

Impacto y Legado:

• Clásico del rock: Quadrophenia ha sido aclamado por la crítica y el público, considerándose una obra maestra del rock progresivo y conceptual.
• Adaptación: Se adaptó a una película homónima en 1979, ampliando su popularidad y el entendimiento de la historia.
• Influencia: Inspiró a generaciones de músicos con su temática y estructura, abriendo camino a otros álbumes conceptuales.

Artur Álvarez

 

DISCOS IMPRESCINDIBLES: "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", un hito en la historia de la música.

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, octavo álbum de estudio de The Beatles, lanzado en 1967, no solo es una obra maestra musical, sino un viaje a través de la psicodelia, la innovación y la ruptura de moldes.

Desde la emblemática portada hasta las innovadoras técnicas de grabación utilizadas en el estudio, "Sgt. Pepper's" desafió todas las convenciones de lo que se esperaba de un álbum de rock en su época. La banda, liderada por la genialidad creativa de John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr, se embarcó en un viaje experimental que fusionó una amplia gama de estilos musicales, desde el rock psicodélico hasta el music hall, el vaudeville y la música india.

Una de las características más distintivas del álbum es su enfoque conceptual. A través de la figura ficticia de la banda "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", The Beatles crearon un álbum conceptual que exploraba temas como la fama, la identidad y la nostalgia de la infancia. Cada canción contribuye a la narrativa general del álbum, creando una experiencia auditiva cohesiva y envolvente que invita al oyente a sumergirse en el mundo imaginario de la banda.

Pero más allá de su innovación conceptual, "Sgt. Pepper's" es notable por su brillantez musical. Desde la apertura con el himno titular hasta el cierre con la icónica "A Day in the Life", el álbum está repleto de melodías atemporales, arreglos intrincados y letras profundas y conmovedoras. Canciones como "Lucy in the Sky with Diamonds", "With a Little Help from My Friends" y "She's Leaving Home" han pasado a la historia como algunos de los mejores ejemplos de la genialidad musical de The Beatles.

Además de su impacto musical, "Sgt. Pepper's" también fue un fenómeno cultural. El álbum encapsulaba perfectamente el espíritu de la época de los sesenta, con su mensaje de amor, paz y libertad que resonaba con una generación entera. La portada del álbum, diseñada por el artista Peter Blake, se convirtió en un icono de la cultura pop y sigue siendo una de las imágenes más reconocibles en la historia de la música.

Recapitulando podemos destacar:

Concepto innovador:

• Se considera uno de los primeros álbumes conceptuales, ya que todas las canciones están conectadas por una temática: la banda ficticia "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" y su presentación.
• Esto rompe con la estructura tradicional de álbumes de la época, que eran simple colecciones de canciones independientes.

Ruptura creativa:

• Fue lanzado en 1967 en plena época psicodélica, y marcó un alejamiento importante de los álbumes anteriores de The Beatles, más pop y melódicos.
• Experimentaron con sonidos nuevos, instrumentos poco usuales, técnicas de grabación innovadoras y letras surrealistas.

Momentos icónicos:

• Canciones como "Lucy in the Sky with Diamonds", "With a Little Help from My Friends" y "A Day in the Life" se han convertido en clásicos atemporales.
• La portada diseñada por Peter Blake, con los Beatles disfrazados y rodeados de celebridades, es una obra de arte en sí misma y refleja el carácter lúdico y conceptual del álbum.

Legado histórico:

• Ganó numerosos premios, incluyendo cuatro Grammy en 1968, y sigue siendo considerado uno de los mejores álbumes de todos los tiempos por diversos rankings y publicaciones.
• Su influencia en la música popular es innegable, inspirando a generaciones de músicos a experimentar y romper moldes creativos.

Artur Álvarez

DISCOS IMPRESCINDIBLES: La Magnífica Opera Rock de Queen: "A Night at the Opera'"

"A Night at the Opera" de Queen es un álbum que se erige como una obra maestra que define una era en la historia del rock. Lanzado en 1975, este álbum es un testimonio del ingenio musical y la creatividad sin límites de la banda, liderada por el carismático Freddie Mercury.Con una mezcla de rock duro, baladas operísticas y humor irreverente, el álbum es un viaje musical exuberante y teatral.Desde la majestuosidad de la apertura con "Death on Two Legs" hasta la grandiosidad épica de "Bohemian Rhapsody" y la conmovedora belleza de "Love of My Life", "A Night at the Opera" es una experiencia auditiva inigualable. Cada canción es una obra de arte en sí misma, con una atención al detalle y una artesanía musical que desafían las expectativas y establecen nuevos estándares para el género.

Uno de los aspectos más destacados del álbum es la diversidad de estilos musicales que abarca. Desde el rock más crudo hasta la ópera, el music hall y el gospel, Queen demuestra una versatilidad musical impresionante que pocos artistas pueden igualar. Esta fusión de estilos crea una experiencia auditiva dinámica y emocionante que mantiene al oyente cautivado de principio a fin.

Pero más allá de su brillantez musical, "A Night at the Opera" también es notable por su profundidad lírica y su ingenio poético. Las letras de las canciones exploran una variedad de temas, desde el amor y la pérdida hasta la política y la crítica social, todo ello con un ingenio y una astucia que reflejan la inteligencia y el ingenio de Mercury como letrista.

La portada, una pintura de Storm Thorgerson, refleja la ambición y la grandiosidad del disco. Una multitud se reúne frente a un escenario operístico, mientras un Freddie Mercury gigante observa desde lo alto. La imagen captura la esencia del álbum: una mezcla de lo clásico y lo contemporáneo, lo grandioso y lo íntimo.

Además de su excelencia musical y lírica, "A Night at the Opera" también es un álbum revolucionario en términos de producción y sonido. La banda experimenta con técnicas de grabación innovadoras y utiliza una variedad de instrumentos y arreglos para crear un sonido único y distintivo que sigue siendo influyente en la música hasta el día de hoy.

Esquematizando, podemos decir:

Musicalmente, A Night at the Opera es una obra maestra:

• Variedad de estilos: el álbum abarca desde el rock duro de "Death on Two Legs" hasta la balada operística "Bohemian Rhapsody", pasando por el vodevil de "Good Company".
• Producción impecable: la producción de Roy Thomas Baker es exuberante y detallada, creando un sonido rico y complejo.
• Voces excepcionales: la voz de Freddie Mercury es poderosa y versátil, capaz de adaptarse a cualquier estilo.
• Instrumentación virtuosa: Brian May, Roger Taylor y John Deacon son maestros de sus instrumentos, creando una base musical sólida y memorable.

El impacto cultural de A Night at the Opera es innegable:

• Ventas millonarias: se ha convertido en uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos.
• Influencia en generaciones: ha inspirado a bandas de rock y artistas de diversos géneros.
• Presencia en la cultura popular: sus canciones se han utilizado en películas, series y videojuegos.

A Night at the opera no es solo un álbum, es una experiencia:

• Teatralidad: las canciones son como escenas de una ópera, con personajes, historias y emociones.
• Humor: el álbum tiene un toque de humor irreverente que lo hace aún más atractivo.
• Emoción: las canciones te hacen sentir una amplia gama de emociones, desde la alegría hasta la tristeza.

 

Lista de canciones

 

Lado uno        

«Death on Two Legs» 3:44

«Lazing on a Sunday Afternoon»1:10

«I'm in Love with My Car»3:05

«You're My Best Friend»2:50

«'39»:31

«Sweet Lady» 4:04

«Seaside Rendezvous» 2:15

 

Lado dos                   

«The Prophet's Song»8:20

«Love of My Life»3:37

«Good Company»3:23

«Bohemian Rhapsody»5:55

«God Save The Queen»1:15

 

Artur Álvarez

DISCOS IMPRESCINDIBLES: 'The Dark Side of the Moon', la Obra Maestra de Pink Floyd que Resuena Eternamente"

"The Dark Side of the Moon" es un álbum que representa la cima creativa de Pink Floyd y uno de los hitos más significativos en la historia del rock progresivo. Lanzado en 1973, este álbum es una obra maestra conceptual que trasciende los límites del género musical, explorando temas profundos y universales mientras desafía las convenciones de la estructura musical tradicional. Desde el primer acorde de "Speak to Me" hasta la última nota de "Eclipse", "The Dark Side of the Moon" guía al oyente a través de un viaje sonoro y emocional que aborda temas como la locura, el tiempo, la mortalidad y la alienación en la sociedad moderna. Las letras, escritas principalmente por el bajista y vocalista Roger Waters, son poéticas, introspectivas y universalmente resonantes, hablando directamente al corazón y la mente del oyente.

Es un viaje introspectivo a través de las facetas más oscuras de la psique humana, explorando temas como la ansiedad, la muerte, la alienación, el tiempo y la riqueza. Cada canción se entrelaza con la siguiente, creando un tapiz sonicamente cohesivo que sumerge al oyente en un caleidoscopio de emociones.

Musicalmente, el álbum es una obra maestra de la experimentación y la innovación. Desde las intrincadas progresiones de acordes hasta los sofisticados arreglos orquestales, cada canción está meticulosamente diseñada para crear una experiencia auditiva inmersiva. La habilidad técnica de los miembros de Pink Floyd es evidente en cada nota, desde los icónicos solos de guitarra de David Gilmour hasta los intrincados patrones de batería de Nick Mason.

Sin embargo, lo que realmente distingue a "The Dark Side of the Moon" es su capacidad para conectar emocionalmente con el oyente. A lo largo del álbum, se exploran temas universales que resuenan con la experiencia humana, desde el miedo a la muerte hasta la lucha por mantener la cordura en un mundo cada vez más alienante. Esta combinación de profundidad lírica y excelencia musical ha asegurado que el álbum siga siendo relevante y conmovedor incluso décadas después de su lanzamiento inicial.

Además de su impacto musical y emocional, "The Dark Side of the Moon" también es notable por su influencia cultural. El álbum ha sido aclamado tanto por críticos como por fanáticos como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos, y la icónica portada, diseñada por Storm Thorgerson, refleja esta ambigüedad: los prismas refractan la luz blanca en un arcoíris, simbolizando la diversidad de perspectivas e interpretaciones que el álbum evoca.

Musicalmente, The Dark Side of the Moon es una obra maestra:

• Instrumentación innovadora: desde los pulsantes sintetizadores y melodías hipnóticas hasta el icónico solo de saxofón en "Us and Them", cada sonido está meticulosamente elaborado para potenciar la narrativa.
• Efectos sonoros y samples: el uso pionero de grabaciones como el latido del corazón de un bebé y el sonido de un reloj en marcha añaden textura y profundidad a las canciones.
• Estructura conceptual: cada canción fluye hacia la siguiente, creando un viaje temático sin interrupciones.
• Voz icónica: la voz de David Gilmour se convierte en un narrador omnisciente, guiando al oyente a través de la exploración introspectiva.

El impacto cultural de The Dark Side of the Moon es innegable:

• Ventas millonarias: se ha convertido en uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos.
• Influencia en generaciones: ha inspirado a músicos de diversas corrientes, desde rock progresivo hasta electronica.
• Presencia en la cultura popular: aparece en películas, documentales y videojuegos, y sus canciones se han convertido en himnos para muchos.

The Dark Side of the Moon no es solo para melómanos, es para quienes buscan un viaje introspectivo, una reflexión sobre la propia existencia y el lugar que ocupamos en el universo. Es un álbum que trasciende el tiempo y el espacio, conectando con las emociones más profundas del ser humano.

 

Lista de canciones

 

Cara A

«Speak to Me»-1:07

«Breathe»2:49

«On the Run» 3:45

«Time»6:53

«The Great Gig in the Sky»4:44

Cara B

«Money»6:23

«Us and Them»7:49

«Any Colour You Like»3:26

«Brain Damage»3:46

«Eclipse»2:12

Artur Álvarez

Reflejos de lo intangible

“Reflejos de lo intangible” es una obra que captura la delicada interacción entre luz y oscuridad. En ella, las sombras se deslizan suavemente sobre un lienzo de tonos suaves, creando una coreografía mística que parece moverse al ritmo de un silencio profundo. Las formas etéreas, apenas visibles, juegan entre sí en un baile de contornos difuminados que invita a la reflexión. Es una pieza que habla de lo efímero y lo eterno, un susurro visual que trasciende el espacio y el tiempo, dejando una impresión duradera en el alma del espectador.

Artur Álvarez

DISCOS IMPRESCINDIBLES: La genialidad de Carlos Santana en 'Abraxas"

"Abraxas", el segundo álbum de estudio de Carlos Santana lanzado en 1970, es un trabajo que ha dejado una marca indeleble en la historia del rock y del jazz fusionado con influencias latinas. Este álbum es un viaje sonoro que fusiona de manera magistral el rock, el blues, el jazz y la música latina, creando un sonido único e innovador que cautivó a audiencias de todo el mundo.La portada, una pintura de Mati Klarwein, refleja la fusión de culturas y estilos que impregna la música. La imagen de un ángel andrógino con una conga entre las piernas simboliza la unión de lo masculino y lo femenino, lo terrenal y lo celestial.

Una de las características más destacadas de "Abraxas" es la habilidad de Santana para mezclar diferentes estilos musicales de una manera fluida y orgánica. Desde la apertura con "Singing Winds, Crying Beasts" hasta el cierre con "Samba Pa Ti", el álbum ofrece una variedad de ritmos y melodías que mantienen al oyente cautivado de principio a fin. La inclusión de elementos latinos como la salsa, el mambo y la samba añade una dimensión extra de energía y pasión a la música de Santana.

El álbum también es notable por sus letras profundas y reflexivas, que abordan temas como el amor, la espiritualidad y la conexión con el universo. Canciones como "Black Magic Woman" y "Oye Como Va" se han convertido en clásicos atemporales, con letras que resuenan con audiencias de todas las generaciones.

En cuanto a la ejecución musical, "Abraxas" muestra la destreza técnica y la creatividad de Santana y su banda. Las virtuosas guitarras de Santana, los ritmos hipnóticos de la sección rítmica y los brillantes solos de teclado crean un paisaje sonoro expansivo y emocionante que transporta al oyente a lugares lejanos y exóticos.

El disco fue un éxito comercial y de crítica, catapultando a Santana al estrellato. Ganó el premio Grammy al mejor álbum de pop latino en 1971 y ha sido incluido en la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone.

Además de su impacto musical, "Abraxas" también es importante por su influencia cultural. El álbum ayudó a popularizar la música latina en la escena del rock, abriendo el camino para futuros artistas y bandas que incorporarían elementos latinos en su propio trabajo.

"Abraxas" es un álbum verdaderamente excepcional que encapsula la genialidad musical de Carlos Santana y su banda. Con su fusión innovadora de estilos y su impacto cultural duradero, sigue siendo una obra maestra que continúa inspirando a músicos y oyentes en todo el mundo.

aspectos destacados del disco:

• Fusión de estilos: Abraxas combina elementos de rock, blues, salsa, música latina y jazz, creando un sonido único e innovador.
• Guitarra virtuosa: Carlos Santana da rienda suelta a su talento como guitarrista, con solos apasionados y melódicos.
• Voz soulful: La voz de Gregg Rolie aporta un toque de profundidad y emoción a las canciones.
• Temática espiritual: Las letras exploran temas como la búsqueda del yo, la conexión con lo divino y la importancia del amor.
• Impacto cultural: Abraxas fue un disco que marcó época, influyendo en la música y la cultura popular de los años 70.

Lista de canciones

 

Los temas incluidos en el disco fueron los siguientes:

 

    A1. «Singing Winds, Cryin' Beasts» (Carabello) 4:48

    A2. «Black Magic Woman/Gypsy queen» (Peter Green/Gabor Szabo) 5:24

    A3. «Oye Cómo Va» (Tito Puente) 4:19

    A4. «Incident at Neshabur» (Gianquinto/Santana) 5:02

    B1. «Se Acabó» (Areas) 2:51

    B2. «Mother's Daughter» (Rolie) 4:28

    B3. «Samba pa' Ti» (Santana) 4:47

    B4. «Hope You're Feeling Better» (Rolie) 4:07

    B5. «El Nicoya» (Areas) 1:32

Artur Álvarez

Susurros del Vacío

“Susurros del Vacío” es una expresión artística que evoca la sutil presencia de lo que no se puede ver ni tocar, pero se puede sentir. En el contexto de una imagen, podría representar los momentos silenciosos y etéreos que hablan de la ausencia y la contemplación. Artísticamente, este concepto podría manifestarse a través de elementos visuales delicados y etéreos que sugieren una atmósfera de misterio y reflexión, donde el silencio y el espacio vacío tienen tanto que decir como las formas y colores presentes. Es una invitación a escuchar más allá de lo evidente y encontrar belleza y significado en la quietud y la nada.

Artur Álvarez

Nada pretendo

No ansío nada

y nada pretendo,

salvo sostener con dignidad

las hernias que el calendario ha forjado.

Ya no reprimo el grito sombrío

que se insinúa

en las cicatrices de mi garganta,

ni me avergüenza

exponer el vértice ensangrentado

de tantos labios quebrantados.

No solidifico el cinismo en mi interior,

ni convierto la sonrisa

en un tributo que nutre

el vientre de la hipocresía.

Ha llovido lo suficiente

para marchitar

la vanidad del narcisismo,

y mi piel comprende ahora 

la gramática que rige

las leyes de la existencia.

Ya no siento la urgencia

de aferrar lo desconocido

como si cada escalofrío

fuera un lamento ante el temor.

Por eso,

no anhelo nada y nada persigo,

salvo soportar el cansancio de los días

con la esperanza de que la sonrisa

engalane la fuente marchita de mi tiempo.

Artur Álvarez

De la fidelidad y la espera

Cada albor matutino, mientras se encaminaba hacia la estación, se sumergía en la contemplación de los sauces que bordeaban el sendero. Algunos de ellos ya empezaban a alfombrar las aceras con su efímera decadencia, hojas que en su caída reflejaban la crudeza de un deseo frustrado.

En el andén, como una escena sacada de un cuadro, permanecía sentada. Se acomodó en un banco impregnado de la oscuridad del verde, con su bolso de piel marrón reposando a su lado, los zapatos de tacón, los vaqueros desgastados y la chupa de cuero.

Jamás se desvanecieron de su memoria el aroma de su piel ni la humedad de sus labios. Ansiaba fervientemente que el reloj marcase el momento anhelado de su regreso.

Durante meses aguardó, envuelta en la soledad de las cálidas noches de verano. Con el pensamiento abrazando el recuerdo y la mirada perdida en la remota curvatura del mar azul. Las lunas plateadas pasaron, las flores se marchitaron y la calle se convirtió en un escenario de sauces desnudos y veredas plagadas de hojas marchitas. El sopor del otoño llegó, pero él no retornó.

Se sentó en el banco del andén, apretando el pañuelo que comprimía entre sus manos. Vaciada de lágrimas, aguardó un tren que nunca llegó.

Su nombre, Penélope.

(Agradezco a Joan Manuel Serrat por condensar tanta sensibilidad en una canción)

Artur Álvarez

La calle (Octavio Paz)

Es una calle larga y silenciosa.

Ando en tinieblas y tropiezo y caigo

y me levanto y piso con pies ciegos

las piedras mudas y las hojas secas

y alguien detrás de mí también las pisa:

si me detengo, se detiene;

si corro, corre. Vuelvo el rostro: nadie.

Todo está oscuro y sin salida,

y doy vueltas en esquinas

que dan siempre a la calle

donde nadie me espera ni me sigue,

donde yo sigo a un hombre que tropieza

y se levanta y dice al verme: nadie.

Octavio Paz, Poeta y ensayista mexicano, recibió el Premio Nobel de literatura en 1990 como reconocimiento a su obra literaria.

No vi llover en tu casa del árbol (Mercedes Halfon)

No vi llover en tu casa del árbol

no subimos los peldaños de madera

para apreciar ese pasto tan verde

que su nombre es provenir

es que el pasto tiene un nombre

y una voz, como todo lo que nos rodea

¿si comiera la comida que vos preparás sanaría?

Los rayos ciegan los ojos de los iluminados

resplandecen los árboles en el pensamiento

mi casa se ha desmoronado, se ha perdido

yo misma como un lobo soplé hasta derribarla

y ahora vago mirando este pasto

y los árboles

buscando un lugar que una vez pensé

pero nunca fue mío.

Mercedes Halfon es una escritora, periodista cultural y curadora escénica nacida en Buenos Aires en 1980. Licenciada en Artes por la Universidad de Buenos Aires y Magíster en Escritura creativa por la Universidad Nacional Tres de Febrero, actualmente colabora como docente con la Universidad Nacional de las Artes.

¿Educación exitosa?

¿Poseen nuestros educadores una preparación académica adecuada? ¿Los padres y las madres se involucran plenamente en la formación de sus hijos? ¿El sistema educativo tiene una visión clara de sus objetivos? ¿Los alumnos comprenden la relevancia de la mayoría de los contenidos que estudian? ¿Se promueve decididamente la escuela pública? ¿Los centros educativos gozan de un grado significativo de autonomía? ¿Se invierte en educación la cantidad necesaria desde el punto de vista económico?... Estas interrogantes pueden servir como punto de partida para reflexionar sobre el porvenir de la educación. Son indicios que nos advierten de que, en la actualidad, no podemos calificar positivamente nuestro sistema educativo.  Considero que el éxito en materia educativa es un logro arduo de alcanzar, salvo que examinemos los pilares fundamentales: los valores que sustentan el sistema y la reestructuración del entramado educativo en consonancia con ellos. Un proceso que implica un compromiso por parte de toda la sociedad, y que debe gestarse a partir de un conocimiento real de la situación, no desde la torre de marfil de los despachos. Deberíamos otorgar un protagonismo especial a los profesionales que experimentan día a día la realidad educativa. Las decisiones excesivamente teóricas y burocráticas no son el camino adecuado.

La calidad educativa solo puede alcanzarse si creemos en ella, si reconocemos la necesidad de una evaluación profunda y una clara toma de conciencia sobre la crisis de reputación y la superficialidad que atraviesa este ámbito. Sería más acertado reconocer la sombría realidad que intentar convencernos de que nuestro sistema educativo es un éxito.

Todo cambio precisa una revisión en profundidad, tanto formal como de fondo. Esto requiere no solo abordar aspectos técnicos, sino también ideológicos y una perspectiva clara de futuro.

Desde mi perspectiva, el consenso representa el mejor punto de partida. Todo lo demás es simple retórica.

Artur Álvarez